Regina Maria Moeller – Die Motte

 

22 September – 17 November 2018
Opening: Friday 21 September, 6-9 pm

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Die Galerie Michael Janssen freut sich zur Berlin Art Week 2018 die Einzelausstellung «Die Motte», der in Berlin lebenden Künstlerin Regina Maria Möller zu präsentieren.

Im Zentrum der Arbeiten von Regina Maria Möller verbinden sich Aspekte des Performativen und des Körperlichen mit pointierten Fragen im Hinblick auf die Materialität und die Prozesse, welche ihr Werk ausmachen. Dabei spielt die Interaktion der BetrachterInnen mit den Arbeiten eine entscheidende Rolle. Diese löst sich nicht in ein distanziertes Schauen auf, sondern vielmehr in ein multi-sensuelles Wahrnehmen und bedeutet – noch entscheidender – ein aktives «sich-Verhalten».

Für die Ausstellung verwebt Möller wiederum diese Komponenten und kreiert mittels einer Abfolge von Vorhängen ein theatrales Spiel, das den gesamten Raum der Galerie einbezieht und immer wieder neue Blickwinkel und Erfahrungsräume herstellt.

So wird der sonst durch das einladende Schaufenster der Galerie eindringende Blick der BetrachterInnen bei dieser Ausstellung zunächst durch einen schweren Theatervorhang geblockt. Um zu sehen, was sich hinter diesem Vorhang befindet, muss also der Weg in die Galerie angetreten werden. Im Inneren entsteht dann durch weitere Vorhänge ein vielschichtiges Spiel, bei dem die Installation sowohl Aspekte des Illusionistischen als auch des brechtschen Theaterraums adressiert.

Das titelgebende Motiv der Motte verortet sich in diesem Kontext an verschiedenen Stellen und oszilliert vom öffentlichen Raum der Strasse (als Vorhangs-Applikation) in den Innenraum der Galerie (als Porzellanmalerei) und noch weiter bis in den semi-öffentlichen Raum des Internets (als QR Codes). Nur durch das Scannen dieser Codes erscheinen die von der Künstlerin handbemalten Vasen mit Mottenmotiv, die sie anlässlich der Ausstellung mit der Porzellan Manufaktur Nymphenburg und Uli Aigner ONE MILLION produziert hat.

Mit dieser Verlagerung von Objekten in den virtuellen Raum zeigt sich eine erneute Fortführung des theatralen Themas. Indem auch hier das Oszillieren zwischen An- und Abwesenheit, sowie das Changieren zwischen Betrachten und Performen in den Vordergrund tritt, erzeugt Möller ein weiteres Setting, das sich kommentierend zu den anderen Raumsituationen verhält – den Vorhängen und dem Requisitenraum, der im hinteren Teil der Galerie liegt.

In allen Raumkonfigurationen spielt das Licht für Möller eine besondere Rolle. Wie für das vielbeschriebene, umkreisende Verhältnis der Motte zum Licht, kreiert dieses auch für Möller eine intensive Dynamik von Teilhabe und Distanz, die von den Prozessen des Öffnens und Schliessens und von den Faltungen der Vorhänge geformt wird.

Theatral in Szene gesetzt durch die formalen Bedingungen der Installation, ergeben sich für die BesucherInnen fortwährend neue Aspekte des Wahrnehmens: von Anderen, dem eigenen Körper und den ausgestellten Objekten. Es entsteht ein spielerisches Erfahren von Blickinszenierungen.

Nach Beendigung ihres MA Studiums an den Philosophischen Fakultäten der LMU München lebte Möller mehrere Jahre in New York City und begann ihre künstlerische Laufbahn. In dieser Zeit entwickelte sie das Konzept für ihre vielbeachtete Arbeit regina – ein Kunstwerk im Zeitschriftenformat, welches in unregelmässigen Abständen in limitierter Auflage erscheint. Ebenso im Jahr 1994 begann sie mit der Entwicklung des Künstlerlabels embodiment. Unter diesem vereint Möller Arbeiten, die sich essentiell mit Verhältnis von Körper und Raum, sowie mit den Übergängen von Kunst, Design und Alltagskultur beschäftigen. Ihre künstlerische Praxis erstreckt sich über die unterschiedlichsten Medien und reicht von Installationen, Foto und Video, bis hin zu Skulptur, Kostümbild und Interventionen im öffentlichen Raum. Seit 2003 lehrte Möller als Professorin und Gastprofessorin zudem an zahlreichen Institutionen wie z.B dem MIT Cambridge, der Kunstakademie Trondheim, oder der NTU Singapur.

Regina Maria Möller: geb. in München, Deutschland. Lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland. Einzelausstellungen / Projekte (Auswahl): 2016: The Lab, NTU Centre for Contemporary Art, Singapur (SG); 2015: Trøndelag Centre for Contemporary Art, Trondheim (NO); 2014: LevArt, Levanger, NO; 2007: FRAC des Pays de la Loire, Carquefou (FR); 2004: Secession Wien, Wien (AU); 2000: Moderna Museet Projekt, Stockholm (SE). Gruppenausstellungen (Auswahl): 2017: Kunsthalle Wien, Wien (AU); 2015: Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien (AU); 2013: Museo de Arte Contemporáneo de Castilly, León (ES); 2008: Sprengel Museum Hannover, Hannover (DE); 2004: 3. Berlin Biennial, Berlin (DE); 1996: Manifesta 1, Rotterdam (NL); 1995: Palais des Beaux Arts, Brüssel (BE); 1994: Deichtorhallen, Hamburg (DE); 1993: 45. Venedig Biennale, Venedig (IT).

Press Release - English

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For Berlin Art Week 2018, Galerie Michael Janssen is pleased to announce Regina Maria Möller’s solo exhibition, The Moth.

At the core of Regina Maria Möller’s practice, the aspects of performance and physicality are intertwined with pointed questions about the materials and processes from which her work is made. In this way, the viewers’ interactions with the work play a constant, crucial role—one which does not dissolve in distanced observation, but rather accentuates, to a greater extent, multisensory perception and—even more emphatically—an awareness of one’s self-restraint.

For this exhibition, Möller continues to weave these components together by creating a theatrical play through a series of curtains that incorporate the entire gallery space—a structure that continuously produces new vantage points and realms of experience.

Thus, the viewers’ otherwise penetrating gaze through the gallery’s welcoming display window is initially blocked by a heavy theater curtain. To see what is located behind it, one must enter the gallery. Inside, more curtains create further intrigue, producing a game in which the installation comes to address aspects of both illusion and Brechtian theater space.

The eponymous motif of the moth is situated in this context in various places, and its appearance oscillates from the public space of the street (as a curtain appliqué), to the interior of the gallery (as porcelain paintings), and even further to the semi-public space of the internet (as QR codes). In the latter case, the artist will present, on the occasion of this exhibition, and by digital means, vases featuring moth motifs produced in collaboration with the Porzellan Manufaktur Nymphenburg and Uli Aigner ONE MILLION.

With the transferal of these objects into a virtual space comes a fresh continuation of Möller’s theatrical themes. For here, too, the oscillations between presence and absence, together with the alternations between watching and performing, emerge. The artist produces yet another setting that itself behaves as a commentary on the various spatial situations constructed in the gallery, i.e. the curtains and the “prop room” located at the back of the gallery.

Light plays a significant role for Möller in all of these spatial configurations as well. Like that oft cited relationship unique to the circling moth and the flame, so too does light activate for Möller an intense dynamic comprised of interaction and proximity. In The Moth, it is a dynamic that is shaped by the processes of opening, closing, and disrupting the curtains.

Theatrically staged by the formal conditions of the installation, visitors continuously discover new ways of perceiving others, their own bodies, and the exhibited objects. The experience becomes a playful viewing that is revealed in contrasting stages.

After completing her MA studies at the LMU Munich in the Faculty of Philosophy, Möller lived for several years in New York City, where she began her artistic career. During this time, she developed the concept for her highly regarded project, regina—an artwork in magazine format that is published at irregular intervals and in limited editions. In 1994, she began developing the artist label embodiment. Within this frame, Möller produces works that essentially engage with the relationship of the body and space as well as transitions between art, design, and everyday culture. Her artistic practice encompasses a wide range of media, from installations, photography, and video to sculpture, costume design, and interventions in public space. Since 2003, Möller has also taught as a professor or visiting professor at numerous institutions, including MIT Cambridge, the Trondheim Academy of Fine Art, and NTUSingapore.

Regina Maria Möller: b. in Munich, Germany. Lives and works in Berlin, Germany. Solo exhibitions / Projects (selection): 2016: The Lab, NTU Centre for Contemporary Art, Singapore (SG); 2015: Trøndelag Centre for Contemporary Art, Trondheim (NO); 2014: LevArt, Levanger (NO); 2007: FRAC des Pays de la Loire, Carquefou (FR); 2004: Secession Wien, Vienna (AU); 2000: Moderna Museet Projekt, Stockholm (SE). Group exhibitions (selection): 2017: Kunsthalle Wien, Vienna (AU); 2015: Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna (AU); 2013: Museo de Arte Contemporáneo de Castilly, León (ES); 2008: Sprengel Museum Hannover, Hannover (DE); 2004: 3. Berlin Biennial, Berlin (DE); 1996: Manifesta 1, Rotterdam (NL); 1995: Palais des Beaux Arts, Brussels (BE); 1994: Deichtorhallen, Hamburg (DE); 1993: 45. Venice Biennale, Venice (IT).

Press Release by Patrick J. Reed - Deutsch

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In diesem Herbst steht Regina Maria Möller und ihre Einzelausstellung Die Motte im Mittelpunkt des Programms der Galerie Michael Janssen. Durch die Verwendung von Elementen aus der Historie des Theaters verwandelt Möller die Galerie in einen Raum der kontemplativen Betrachtung sowohl bekannter als auch neuer Werke. Und erwartungsgemäß stellt auch dieser jüngste Ausdruck ihres vielseitigen Schaffens Körperlichkeit, Materialität und die vage Grenze zwischen Präsenz und Abwesenheit in Frage.

Auch wenn die Ausstellung keine feste Sequenz vorgibt, nach der sie durchlaufen werden müsste, so besitzt sie doch ihren eindeutigen Ausgangspunkt in ihrem rückwärtigen, straßenabgewandten Bereich. Dort fungiert ein veritabler Requisitenfundus als eine Art materialisiertes Gedächtnis, in dem Erinnerungen an frühere Projekte der Künstlerin, teils in neuen Abwandlungen, sichtbar und abrufbereit gespeichert sind. So ist hier beispielsweise Reproduktion (1994) archiviert, eine Fotoserie, die Werbeanzeigen mit immer demselben Kindermodell zeigt – die Künstlerin als junges Mädchen. In einem Regal an einer gegenüberliegenden Wand liegen Ausgaben von regina aus, der Eigenbeschreibung der Publikation zufolge „Kunstwerk und künstlerisches Forschungsprojekt in Zeitschriftenform [, das] die etablierten Lifestyle- und Modemagazin-Formate adaptiert und deren Vorstellungen vom alltäglichen Leben der Frau hinterfragt“.

Möllers entschiedene feministische Kritik steht auch hinter embodiment (ab 1994), einem Label, unter dem sie Produkte entwickelt, die „Bekleidung“ thematisieren. In den Worten der Künstlerin operiert embodiment „an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design, um identitätsstiftende Konnotationen zu reflektieren und die darunter liegenden, jenseits aktueller Trends und kurzlebiger Modeerscheinungen wirksamen soziokulturellen Parameter zu untersuchen“. Eine Kleiderstange, an der Beispiele aus den vielfältig funktional-skulpturalen Kollektionen von embodiment hängen, lässt den Betrachter unwillkürlich an eine Theatergarderobe denken und damit an immer noch geläufige, wenn auch bereits heute nostalgisch anmutende Traditionen des Theaters.

Sobald der Besucher von dort aus den vorderen, der Straße zugewandten Bereich der Galerie betritt, begegnet ihm auch schon das zentrale Element der Ausstellung – eine Reihe parallel gehangener Vorhänge, die den großen Raum in verschiedene kleinere Räume und damit in dessen vielschichtige Wahrnehmung unterteilen. Die vorgegebene Perspektive vermittelt sofort den Eindruck, auf einer Bühne zu stehen, unmittelbar vor der Premiere eines Theaterstücks. Die Vorhänge, fünf an der Zahl, sind unterschiedlich weit aufgezogen. Ein Scheinwerfer bestrahlt den vordersten von ihnen – einen zweifarbigen Vorhang aus schwerem Tuch, der das straßenseitige Panoramafenster abdeckt. Von außen, durch das Fenster betrachtet, verstellt der safranfarben samtene Stoff den Blick auf das im Inneren der Galerie Gezeigte. Von der Innenseite aus gesehen, unterstreicht die satte Schwärze des Vorhangs das Dramatische der Szenerie. Eine auf beide Seiten des Vorhangs aufgebrachte Applikation in Form einer riesigen Motte verkörpert den Titel der Ausstellung.

Zwischen dem vor dem Fenster und dem am weitesten im Rauminneren installierten Vorhang, hängen drei weitere Vorhänge, die jeweils historische Stile von Spielvorhängen auf einer Theaterbühne darstellen: Einen Raffvorhang (dt. Wagner Vorhang), ein Hubvorhang und ein Wolkenvorhang. Möller lässt ihnen ihr Spiel, lässt sie auf Luftströmungen und kleinste Berührungen reagieren. Sie sind die Hauptdarsteller in diesem Stück. Trotz ihrer architektonischen Funktion als Zwischenwände stellen sie eine fließende Wahrnehmung des Raums und der Präsenz in diesem her. So sind sie die physische Entsprechung der eingangs erwähnten diffusen Grenzen.

Der letzte Vorhang wirkt einfacher als die anderen, und seine gekürzte Länge verweist auf die Brecht Gardine. Quer über den Stoff hinweg steht in großen Lettern „DIE MOTTE“. Dahinter befindet sich ein Sockel mit Acryl-Kubus, auf dem vier QR-Codes abgedruckt sind. Die Skulptur hat dieselbe Höhe wie die Körpergröße von Möller und ist insofern ein Verweis auf den abwesenden Körper.

Scannt man die QR-Codes, führen sie zu animierten GIFs, die Porzellanvasen zeigen, die Regina Maria Möller mit der Porzellan-Manufaktur Nymphenburg und mit Uli Aigner ONE MILLION produziert hat. Auf jeder der Vasen erscheint als dekoratives Motiv – eine Motte. Ein weiterer Hinweis darauf, wofür dieses Tierchen eigentlich stehen könnte. Die Anziehungskraft einer Lampe und der Drang ins Scheinwerferlicht. Ein von Motten angeknabberter Stoff als Allegorie des Vergänglichen, des langsamen Verblassens der Erinnerung an vergangene Zeiten. Die Motte als Memento mori.

Press Release by Patrick J. Reed - English

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This fall season, Regina Maria Möller is center stage at Galerie Michael Janssen with her solo exhibition, The Moth. Taking a cue from the history of theater, Möller converts the gallery into a contemplative space for works both classic and new. True to form, this latest manifestation of her multivalent practice questions corporeality, materiality, and the vague boundary separating presence from absence.

Although free movement throughout the installation is encouraged, the exhibition’s starting point is located in the back. There, a newly constructed “prop shop” functions as a memory bank for her significant past projects, some appearing in new iterations. Included among this archive is Reproduktion (1994), a photographic series depicting advertisements featuring the same child model, who is the artist as a young girl. Against an opposite wall, a shelf displays back issues of regina, a publication self-described as “an art work and artistic research project in a printed matter format [that] adapts mainstream lifestyle and fashion magazine formats and their notions of women’s everyday life.”

Möller’s resolute feminist critique is also the basis for embodiment (1994–), a label under which she develops works that thematize „Bekleidung,“ an umbrella term commonly associated with traditional woman’s artisanship and skilled, domestic labor. According to the artist, embodiment “operates on the interface between art and design, while reflecting in particular on the identity-forming connotations and examining the socio-cultural parameters beyond current fashions and passing fads.” Examples from embodiment’s diverse functional/sculptural costume collections hang on a crossbar by the conceptual prop shop. They evoke a wardrobe, a cloak room, and customary theater traditions in jeopardy of fading away.

When visitors pass into the front gallery, they encounter the most prominent element of the exhibition—a series of curtains dividing the main interior into layered space and experience. The perspective mimics one of being on stage before opening night. The curtains, numbering five, are variously drawn. A spotlight hits the foremost: a two-toned grand drape that covers the street-facing picture window. From the outside, its brilliant saffron fabric conceals what is on show. From the inside, its rich blackness adds drama to the scene. An appliqué featuring a moth adorns both sides, emblamatizing the exhibition’s title.

In the center hang three more curtains representing historical styles of intermediate theater drapes, known in German as the Raffvorhang (Wagner Vorhang), the Hubvorhang, and the Wolkenvorhang. For Möller, these are wild things, responsive as they are to air currents and the slightest touch, and she considers them the main actors in this context. Their structure is architectural, but their purpose is to encourage a fluid perception of space and presence. They are the physical realization of the aforementioned vague boundaries.

The final curtain in the series appears more modest than the rest, but its truncated top and bottom reference the “Brecht Gardine” of Bertolt Brecht’s radical dialectical theater. “DIE MOTTE” (The Moth) is boldly written across its middle. Behind this curtain stands a plinth and cube on which four QR codes have been printed. Measuring Möller‘s exact height, the sculpture is subtly self-referential, but more directly it calls attentions to the absence of a physical body—one that might presumably appear on a stage, on a plinth, or in a gallery.

When scanned, the QR codes lead to animated GIFS that showcase porcelain vases the artist made in collaboration with the Porzellan Manufaktur Nymphenburg or as part of Uli Aigner’s large-scale ceramics project, ONE MILLION. A moth appears as a decorative motif on each, and its presence is a clue to think of its symbols. A moth’s attraction to the lamp is like an urge for the spotlight. Moth-eaten cloth signals the passage of time, the fading of a bygone era. And a moth diving into a flame is an exit in a blaze of glory. The moth, it would seem, is a memento mori.